音楽理論は、音楽制作のほぼ全ての場面に於いて重要なスキルです。しかし理論を学んだだけでは、作曲や編曲につながりません。大切なのは、いくつもの実例を見て用法を学ぶことです。そして、いくつもの用法を見て学んだとしても、実際にやってみると上手くいかなくて悩んだり、さまざまな失敗（本人が気づいているいないに関わらず）をすることになります。そしてその都度講師のアドバイスを受け、”気づき” を経て納得する。ここではじめて理論が本当の力になります。【知る→見る→作る→アドバイスを得る】このルーティーンを繰り返しながら理論の学習を進めていきます。

作曲はオリジナルのメロディを作り出すスキルです。大昔の時代には、作曲には厳格な規則や守るべき形式があり、楽器の種類や編成も限られていたため “作曲法” と呼べるようなものがありました。しかし全てが自由な現代の音楽において “これを学んでおけばOK。良いメロディが作れます” といった原則はありません。そのような中で重要になってくるのがメロディセンスであり、バランスやコントラストや構成に対する正しい感覚です。しかし感覚は勉強では身につきません。良いものにたくさん触れて “音楽性” を高め、さまざまな切り口で分析をし、実践とアドバイスの繰り返しによって高めていきます。

音楽が作曲者の頭の中で鳴っていても人には聴いてもらえません。演奏する、歌う、合奏する、或いはDTMなどで “楽曲” にすると、初めて人が聴けるようになります。この “聴くことのできる形” にするのがアレンジです。しかしピアノで演奏するにも、ソフトにドラムを入力するにも、楽器の特徴、構造、奏法などがわからないと手も足も出ません。ですので、レッスンでは楽器についてしっかり学んでいきます。またアレンジの上達に最も効果的なのは “既存曲の分析” です。生徒の好きな曲を取り上げ、楽器の音色、演奏、役割り、リズムなど深く分析していきます。

DTMとは、メロディやアレンジのアイディアをソフト上に形にしていく、現代ならではの制作スタイルです。そしてソフトを自由自在に操るために最も重要なのは、ズバリ “慣れ” の１点です。ほんの数回のレッスンで基本的な操作方法を学んだ後は、とにかく “使い込むこと” です。それ以上に効率的に上達する方法はありません。当教室では作曲の初歩の段階から積極的にソフトを使用していきます（主にCubaseを用います）。ある程度上達すると “達人の操作を見る” のも、非常に有益な上達方法ですので、プロの実際の作業を見て学んで頂きます。

ミックスとはトラック間の音の分離や融合をコントロールし、バランスを整え、躍動感、スケール感、活力、温度や湿度を、その楽曲の世界観へと整える作業です。ほとんどのアマチュアは “カッコよくする” とか “イイ感じの音にする” という次元でしか解釈できていませんが、実際にはとても創造的な作業で、曲の方向性や世界観に圧倒的な影響を与えます。また作曲やアレンジと同様に、ミックスも “知識” では上達しませんので、本を読んでも上手にはなりません。講師と一緒に実際の楽曲を聴いて分析し、自分の曲または教材曲で基礎からトレーニングすることで上達します。その後はエフェクトの使用法やマスタリングへと進みます。

日本では『楽器が弾けなくてもラクラク作曲』とか『コードを並べるだけ作曲法』的な、作曲の初心者を “迷路の行き止まり” へ導こうとする本が星の数ほど出回っていますが、あなたの大好きなアーティストや作曲家が、”ほぼ例外なく楽器が弾ける”ことからもわかるように、楽器が弾けないと作曲も編曲もスムーズには進まず、いくら理論武装していても知識を ”柔軟に” 楽曲に反映させることはできません（楽器が弾けなくても～、という本が後を絶たないのは 、そう書けば本が”売れるから”です）。しかし人前で演奏を披露する為の練習をする必要はなく、基本となるコードが自由に押さえられさえすれば音楽制作には十分です。コード進行を音にすることができるよう、レッスンの度に課題を出して少しずつ身につけていきます。